Crítica: Intemperie

Nos encontramos ante el regreso del doble ganador del Goya, el director de cine español Benito Zambrano, artífice del guión y la dirección de películas como “Solas” y La voz dormida. En esta ocasión, y después de años esperándole, nos regala una nueva obra: “Intemperie”, basada en la homónima novela de Jesús Carrasco que fue premio de literatura europea en el año 2016 y que han adaptado para el cine los hermanos Pablo y Daniel Remón, junto a Benito Zambrano.

“Cuando canta el gallo negro es señal que viene el día, si cantara el gallo rojo otro gallo cantaría”, con el canto se abre la película y después del canto, o antes, eso no se sabe, un niño (Jaime López) se ha escapado de un cortijo donde lo tienen recogido porque su familia es muy pobre. La casera (María Alfonsa Rosso) va corriendo a avisar al capataz (Luis Callejo) que se vuelve loco de ira. Manda, ordena, buscar al chavalillo. Lo quiere sin un rasguño, sano y salvo. Los hombres del capataz, el Triana (Vicente Romero) y el viejo (Kandido Uranga), lo buscan con sigilo y sin descanso. El niño, que no les lleva mucha ventaja, huye, quiere coger el tren, pero todo lo que le rodea es un páramo desierto; solito, se encuentra en medio de una llanura inmensa que deberá cruzar a pie, con todos los peligros que le acechan y sin agua. Por suerte para él, se encuentra en el camino de un humilde pastor (Luis Tosar) que le ofrecerá protección y ayuda.

“Intemperie” es una película que recuerda mucho al western, miremos como miremos la tragedia en las películas de Zambrano ha marcado su recorrido; nadie que participe en la cultura y tenga sensibilidad dejara de recibir el impacto, y la necesidad de trasladarlo hace de Benito Zambrano un contador de historias atraído por los problemas de la sociedad, es un cineasta que de repente tira de un hilo y empieza a desmadejar. Desde el submundo de la miseria y el sentimiento hasta los altos cargos del sistema, todo ello con la credibilidad y la huella que imprime el campo árido mostrado y todos los detalles que convierten la película en un western dramático y en un thriller social.

Benito Zambrano, sin hablar de lo que habla, dice justo lo que quiere decir, la enorme tierra andaluza de los años cuarenta; latifundios, tiempo de fruto en barbecho y una masa de gente que no tiene nada, excepto una cueva-casa, la multa de muchos hijos y lo que diga el señorito; gentes que nada pueden hacer dependiendo en cuerpo y alma de aquel que los anula.  En “Intemperie” sin duda lo mejor es la sensibilidad con que Zambrano afronta la historia, la forma en que retrata a gente anónima que habita por algún lugar, la personalidad de los personajes principales; el tirano capataz, sus esbirros, el niño que sufre sus maldades y el buen pastor.

Un reparto encabezado por veteranos como Luis Tosar y Luis Callejo, nadando en las aguas de un guion interesante, con el resto de actores y actrices que componen el elenco: Jaime López, el niño, que hace un trabajo magnífico. Vicente Romero, Manolo Caro, Kandido Uranga, Mona Martínez, Miguel Flor De Lima, Yoima Valdés, María Alfonsa Rosso, Adriano Carvalho, Juanan Lumbreras y Carlos Cabra. En la música, el compositor Mikel Salas. En la fotografía, el director de fotografía barcelonés Pau Esteve Birba.

Es una película edificada sobre un niño, un capataz y un cabrero, que personifican: la inocencia, el mal y el bien.

Véanla, es un cine de mirada dulce, incluso en los pasajes más crepusculares…

 

 

Crítica: La hija de un ladrón

La directora catalana Belén Funes, que lleva fusionada al cine desde bien jovencita, nos presenta su primer largo para la gran pantalla: “La hija de un ladrón”, una historia que ha conseguido ser cabeza visible del cine social en nuestro país. Película sabia, conmovedora, realista y demencial, en un cine íntimo y emotivo, retratado con toda su gama de matices, con sus altos y sus bajos, claros y oscuros con razones totalmente creíbles.

Bajemos a la historia: Sara (Greta Fernández) es una chica joven, activa y lúcida, una chica muy responsable que ha tenido muchos problemas, en realidad ha estado casi toda su vida sola. Su madre les abandonó hace tiempo. Tiene 22 años y un bebé; el padre es Dani (Àlex Monner) que no es su novio, lo fue, y que le ayuda cuanto puede, es él el único apoyo que tiene. El deseo de la chica es formar una familia que le aporte estabilidad y sosiego, sería perfecto; junto a su hermano que es pequeño, Martín (Tomás Martín), y Dani su ex. Su padre Manuel (Eduard Fernández), tras varios años en la cárcel, sale y reaparece en sus vidas tal como es él y siempre fue, engreído, orgulloso e intolerante y todo se complica un poco más.

Estamos en Barcelona pero, desde las primeras imágenes de “La hija de un ladrón”, nos podemos situar en cualquier ciudad de España, en un barrio marginal. El film de Belén Funes levanta un discurso genial y testimonial, trabajado sobre un guion excelente escrito por la misma directora y el guionista Marçal Cebrian, un film extraordinario que se agarra a la piel, como un mal estado de ánimo.

El cine hace tiempo que dejó de ser un instrumento para esculpir postales en celuloide, a honra y gloria de los grandes en la pantalla ha pasado a fijar su atención en la excepcionalidad de vidas marcadas, por su exclusión, por su extravagancia, cuando no por sus miserias. La trama de “La hija de un ladrón” tiene un mensaje sumamente interesante, descubriendo la dulzura en la aberración y en la irregularidad de las vidas de los personajes. Belén Funes hace de su dirección triunfo. Esbozando épica a partir de lo minúsculo, hurgando en el corazón de lo marginal y descubriendo en ese yermo territorio desvelos universales.

En “La hija de un ladrón” el proceso de crecimiento de los personajes, que se nos hacen tan cercanos como un compañero de butaca es paralelo a la ruta que sigue la película, que de drama más o menos agudo, pasa a desdicha cada vez más áspera, hasta enfilar la recta final, impregnada de desasosiego y fuerte tristeza. Quiere ser, y lo consigue, un retrato sin filtros ni asideros de una realidad, en un mundo donde los valores son aplastados por lo establecido.

Una directora, unos actores y actrices, y unos personajes buscando un bálsamo para sanar esa cosa que llamamos alma.

Greta Fernández es, con esta interpretación, una protagonista verdaderamente ganadora; su padre Eduard Fernández, tiene en “La hija de un ladrón” buenísimas escenas, todo nos lo brinda siempre este gran actor, es magnífico. Tomás Martín, Àlex Monner, Frank Feys, Borja Espinosa, Adela Silvestre, Cristina Blanco, Anabel Moreno, Daniel Medrán, Manuel Mateos, Anna Alarcón y Silvia de la Rosa, todos llenos de inteligencia y merecedores de un gran aplauso. La directora de fotografía Neus Ollé pone su buen hacer en la parte visual.

Véanla.

Crítica: Lo que arde

El director Oliver Laxe ha querido explorar para la pantalla terreno muy suyo y se ha encontrado con la magnificencia. “Lo que arde” es capaz de acercarse al cine documental e introducirse en el cine poético, literario, fértil y pasional. Una historia de naturaleza pura, naturaleza dañada, crisis del sistema y emociones contadas sosegadamente. Por encima de los hechos, sobrevuela una extraña fascinación y la intensa expectación creada.

El protagonista de “Lo que arde” es Amador (Amador Arias), un muchacho de origen humilde que trabaja en el bosque, hasta que es acusado de haber provocado un incendio. La película empieza una tarde en que el fuego ya consumido deja sus restos de humareda por los picos de los montes y los suelos. Después, es la imagen de Amador la que aparece saliendo de la cárcel. Regresa a su casa, una aldea perdida de las montañas lucenses, donde volverá a convivir con su madre Benedicta (Benedicta Sánchez), su perra Luna y sus tres vacas. Su madre lo recibe tranquila preguntándole si quiere comer, sus vacas nada dicen pero parece que participan del recuerdo de su amo y para Luna,ver a Amador es como volver a la vida de antes: el compañerismo, las caricias y el paseo por los bosques; el bienestar del encuentro. Sus vidas transcurren al ritmo sosegado de la naturaleza en tranquilo periodo de paz. Las vacas, la madre, el hijo y el perro. Hasta que todo cambia cuando un fuego violento arrasa la zona, el amor a sus bosques llamea entre las venas de los habitantes del lugar…

“Lo que arde” es una historia tan real como metafórica, algo que consigue condesar una realidad compleja, porque la película de Oliver Laxe es un símbolo de lo que ocurre en tierras gallegas, de lo que convive con sus habitantes, de su sentir ante lo inevitable, en suma, algo terriblemente fácil de ver, con un caparazón que nadie arranca…

Hay pocas cosas que no consiga descifrar Oliver Laxe de lo que quiere decirnos, es más, aparca delante de nosotros su juego y su caligrafía para centrar el ritmo en guion e imágenes, guion en el que trabajó junto a Santiago Fillol como absolutos maestros de orfebrería en cine reivindicativo, siendo así que en la película, las situaciones están construidas a remolque del sentimiento, construidas no solo para la denuncia, también con la intención de reclamar un estilo de vida, no cuesta nada detectar detalles. La precisión del ordenado pormenor la convierte en un gigante del cine casi documental. De “Lo que arde” huelga valorar su importancia, solo decir que pedimos que no sea un islote de un genio sino el resorte de un salto evolutivo, porque toda la tierra nos pertenece, igual que nosotros pertenecemos a la tierra.

Fotografía magnífica del catalán Mauro Herce. La música, maravillosa acompaña a imágenes que también lo son. El reparto está compuesto de personas no profesionales, en primer lugar destacar a Benedicta Coro, auténtica, perfecta. Amador Arias, muy bueno en su sufrido personaje. Luis Manuel Guerrero Sánchez, Nando Vázquez ,Nuria Sotelo, Elena Mar Fernández, Ivan Yañez, Álvaro de Bazal , Inazio Abrao, David de Peso y Rubén Gómez Coelho, todos forman un equipo estupendo para un trabajo sobresaliente.

“Lo que arde” hace algo por el pueblo gallego y por el resto también. Gracias.

Crítica: La trinchera infinita

“La trinchera infinita” ha sido dirigida por Jon Garaño, Aitor Arregi y  José Mari Goenaga y es el más explícito ejemplo de la historia española más oculta para nuestro cine. El film cuenta con un perfecto camino, escrito por el guionista Luiso Berdejo y el propio José Mari Goenaga. El reparto es estelar, encabezado por Antonio de la Torre que demuestra, una vez más, que es uno de los mejores actores de su generación en la gran pantalla, y la actriz Belén Cuesta, elegida para ser la  mujer del protagonista, que también borda su personaje.

Higinio (Antonio de la Torre) y Rosa (Belén Cuesta) son una pareja que  lleva pocos meses casada cuando estalla la Guerra Civil y la vida de él está gravemente amenazada. Después de estar a punto de morir a manos de los golpistas y ver cómo tirotean a varios compañeros, Higinio se escapa y vuelve a escondidas a su casa.Con la ayuda y la complicidad de su joven esposa decide utilizar un agujero cavado en su propia casa como un escondite provisional. Pero la guerra, la dictadura y la represión se alargan tanto… y el cuerpo humano tiene tanta fuerza de aguante que así, rompiendo su presente, su futuro y el de toda su familia, pasan 30 años. Treinta años en los que el dolor, el miedo y la muerte crean la cruel destrucción  de muchas vidas.

“La trinchera infinita” es una película imprescindible, pausada, elegante, grave, veraz y perfecta.

Cuando la historia comienza, el protagonista  lanza al aire el lamento y la declaración de amor que encierra la trama  de “La trinchera infinita”. Todo el conjunto se apodera del espectador con la sensación de no quitar ojo de la pantalla el tiempo que dure la película, porque se necesita la atención y el silencio para digerir cómo se debe la catarata de sentimientos que suscita esta espléndida película de ficción, la más cercana a una dolorosa realidad que jamás hemos visto en años. Con un montaje brillante, un mensaje desgarrador, atmósfera opresiva y la confianza de los directores en la inteligencia del espectador  “La trinchera infinita” vuelca todo su interés en la gente que sufrió  la guerra y la postguerra en el pulso vital de los pueblos y ciudades castigadas más allá de la lógica razón.

En cada uno de los planos de “La trinchera infinita” confluyen, con palpable tensión la poéticas de tres cineastas, en una compartida búsqueda de luz para el mundo. Una película sobre la humanidad, el odio, la guerra y el miedo a la pérdida; probablemente  la película más demoledora del año en nuestro país. Una cinta para perdurar, para anclar en lo más profundo de la memoria, llevándonos a zonas inexploradas de la emoción cinematográfica en la pantalla de nuestro cine. Sin atiborrarnos de efemérides o datos enciclopédicos, apostando con fuerza por la absoluta estilización del tono dramático-fantasmal, la cámara sigue la acción con pornográfica cercanía aislando la escena de peripecias superfluas. Una película que instaura un equilibrio en un mundo pequeño, un microcosmos lleno de insinuaciones, metáforas y tiempo que se rebela. Que arremete como ninguna contra los límites de la propia cinematografía. Una película que se dio a sí misma una verdad no contada.

La música del compositor francés Pascal Gaigne es una sensual inmersión en una historia de naufragio, de sentimiento e ideas, su seductor tono nos arrastra, sin remedio, hasta la profundidad de cada parpadeo, de cada movimiento.  La fotografía del director Javier Agirre Erauso, exquisita, un toque visual presentado con el ingenio que acostumbra y su genuino talento para el trabajo que realiza. En el reparto, Antonio de la Torre supera con creces todos los trabajos anteriores, imposible estar mejor. Belén Cuesta, excelente. Vicente Vergara, José Manuel Poga, Emilio Palacios, José María del Castillo y Carlos Bernardino forman un cuadro de actores que logran sacar para todos una obra mágica.

Véanla.