Crítica: Therese D

30 septiembre 2013 Deja un comentario

Cartel de Therese DSe estrenó en España el viernes 20 de septiembre. Obra póstuma de Claude Miller, fallecido el 4 de abril de 2012. Crítica de la película “Thérèse D”.

“Thérèse D” es una película pequeña que destaca. Se centra en Thérèse (Audrey Tautou), una joven mujer de principios del siglo XX. Casada por obligación con Bernard Desqueyroux (Gilles Lellouche), insensible a los placeres de la carne, insatisfecha en el plano intelectual y, en general, aburrida de esperar, Thérèse, en un arrebato absurdo y desesperado, intenta envenenar a su esposo. Una vez desenmascarada, Thérèse cae en desgracia al haber deshonrado a su familia y a su marido. Ahora, además, tendrá que enfrentarse a la justicia.
Segunda adaptación a la pantalla grande de la novela homónima del poeta y literato francés François Mauriac, la primera fue efectuada por el realizador George Franju con el título: “Relato Intimo”, en 1962.  Claude Miller y Nathalie Carter dan forma a un guion fiel creando una película que respeta escrupulosamente las estructuras básicas del original.

Nos encontramos ante el último trabajo de la vida de Miller, un frugal drama de época. El director nos sitúa ante una narración transparente, en la que el ambiente se capta desde una óptica desapasionada, gracias a la transformación visual que nos brinda, abriendo una galería expresiva y variada de jugosos personajes. “Thérèse D” es enorme en su costumbrismo, inmensa en el ritmo pausado, grande en técnica fílmica. Sobria. Austera en su exposición e intencionadamente fría en casi todo el metraje. Con un ligero y exquisito toque clásico. Es conmovedora, equilibrada y muy bien narrada, eso hace que se asuma a la perfección. Creo que otorgarle virtudes es muy fácil, tal vez porque Miller creaba un cine con un tratado muy personal, como un estudio de mirada crítica hacia la sociedad, alejada de los límites lucrativos. Un cine donde lo que vemos va directamente a nuestras sensaciones, sin retoricas ni explicaciones añadidas.
La música de Mathieu Alvado fluye lenta pero constante a base de grandes elipses. La fotografía de Gérard de Battista, tan exquisita como las vistas que recrea.
En laImagen de Therese D interpretación, Audrey Tautou es estupenda, con solo su presencia traspasa. Impone sus miradas y su talante, forjando un personaje como testigo incrédulo de su propio mundo. Hombres, hija, relaciones, soledad, desamparo, conflictos internos: el proceso de crecimiento de una mujer que va perdiendo la ingenuidad sin adquirir consciencia personal de lo que le acontece. El resto del reparto: Gilles Lellouche, Anaïs Demoustier, Catherine Arditi, Isabelle Sadoyan, Francis Perrin, Jean-Claude Calon, Max Morel, Françoise Goubert, Stanley Weber, cada cual hace una representación muy adecuada al personaje que representan.

Pese a todo lo mencionado, al magnetismo que desprende y las pródigas cualidades mencionadas, la película no destaca verdaderamente, la causa principal es que la definición del personaje principal no provoca que el espectador se solidarice con ella, no te hace sentir a la mujer como tal. Más allá de esto, la película no pierde la magia y es totalmente recomendable. Simplemente y nada menos que la historia de una mujer en su infierno privado. Un títere del sistema. Véanla.

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Crítica: 15 años y un día

21 septiembre 2013 Deja un comentario

CArtel de 15 años y un díaCariño, ternura, generosidad,  belleza interior. Igualmente;  egoísmo, desamor, miedo. Dirección: Gracia Querejeta, con guión de la propia Querejeta y Santos Mercero. Crítica de la película “15 años y un día”.
El drama gira en torno a Jon (Arón Piper), un quinceañero conflictivo y desobediente que empieza a frecuentar con malas compañías. Para remediar esta complicada situación, y a raíz de una expulsión en el colegio, Margo, su madre (Maribel Verdú), decide enviarlo a un pequeño pueblo ribereño con su abuelo Max (Tito Valverde), un militar ya retirado. El estricto anciano intentará encauzar al chico a través de distintos aprendizajes de educación y disciplina, su madre piensa que quizá Max pueda enderezarlo. Pero a Jon le gusta vivir peligrosamente y su abuelo se ha convertido en un hombre de costumbres tranquilas. Los dos tendrán que enfrentarse a sus limitaciones y a sus miedos.

Trabada de forma que se entrevén las ausencias presentes en el cine de esta directora.
Una historia que si bien puede parecer sencilla, está llena de matices. Uno de los aspectos más acertados es la forma en la que se transmiten los sentimientos de los personajes, con una mera expresión fisonómica o un gesto explícito son capaces de decir más que la palabra. Incluso los lienzos visuales que delinea la directora parecen decirnos lo que la historia transmite en cada momento; con recursos profundamente emotivos desde la narración,  y valores generosos y sencillos, Querejeta no muestra a los personajes en términos de buenos o malos, culpables o inocentes, muestra personas que se equivocan, que enfrentan momentos malos y que viven situaciones cotidianas, siempre acentuadas por el sello inconfundible de la directora. Hablamos de una película en la que se respiran huellas de abnegación, un trabajo que se define en sí mismo.

Imagen de 15-anos-y-un-diaInteresante que una película refleje algo tan sencillo, que los sentimientos afloren y que lo hagan de forma tan discreta, sabiamente.

A pesar de la irresistible calidez del enfoque que adopta la directora y la evidente destreza de que hace gala Maribel Verdú y el entrañable Tito Valverde descubriendo a unos inmensos personajes; a pesar de la lograda recreación, el vestuario, los conseguidos interiores, la fotografía de Juan Carlos Gómez que logra una imagen perfecta  y la música de Pablo Salinas, acertadísima; a pesar de todo ello, “15 años y un día” puede resultar una película más de adolescentes rebeldes. Para mí no lo es.
“15 años y un día” disfrutó de gran éxito en el Festival de Cine de Málaga y ofreció a su directora visitar con laurel algunos festivales más. Está preseleccionada para representar a España en los próximos premios Oscar.

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Crítica: Alacrán enamorado

19 septiembre 2013 Deja un comentario

alacrán-enamoradoEl hilo motor de la historia nos lleva a ver la forma de vida de varios individuos envueltos en acciones incomprensibles, muy repulsivas. Son jóvenes que siguen a un líder. Jóvenes violentos. Santiago A. Zannou nos presenta su nuevo trabajo. Critica de la película “Alacrán enamorado”.

Guión de Santiago A. Zannou y Carlos Bardem basado en la novela homónima de Carlos Bardem, la música de Wolfrank Zannou y la fotografía de Juan Miguel Azpiroz.
En “Alacrán enamorado”, Santiago A. Zannou hace con la literatura de Carlos Bardem un cuajado film social con fondo real y melodrama intimista. Julián (Álex González) y su amigo Luis (Miguel Ángel Silvestre) son dos chicos de barrio que forman parte de una banda de violentos neonazis liderada por Solís (Javier Bardem). Julián frecuenta un gimnasio, donde, gracias a la disciplina del boxeo, a la nobleza de su entrenador (Carlos Bardem) y al amor de una joven mulata (Judith Diakhate), irá cambiando poco a poco de mentalidad. Entonces empieza a alejarse del grupo, pero Luis no está dispuesto a consentirlo empleando todas las artes de su maldad. Julián no tendrá forma de evitarle.

Una enfoque sobre una pequeña parte de la juventud mostrada en escenarios muy creíbles, un espejo de la colectividad, una película sin disimulos, estimulante y a la vez deprimente, en un cine sencillo, de personajes y de rostros, un cine que atrae a la reflexión y que muestra el mundo desde una perspectiva diferente y algo desconocida, pero que existe, que está ahí. La película funciona con precisión, sin giros que nos sorprendan, con admirable pasaje expresivo y suficientes elementos de acción. La parte más negativa es en cuanto a la historia en sí misma, no se eleva por encima de otras obras semejantes que hemos visto con anterioridad. Es inevitable hacer comparaciones con “Million Dollar Baby” de Clint Eastwood y con “American History X” de Tony Kaye, por tanto puede parecer tan previsible como tópica, una caracterización de personajes básica y algunas convenciones narrativas que al final te pueden dejar la impresión de estar asistiendo a un espectáculo repetido.

Imagen de Alacrán EnamoradoPor otra parte, creo que Santiago A. Zannou tiene entre sus virtudes y atractivos cinematográficos la originalidad, el punto de partida, los objetivos, y en esta película indudablemente, además, cuenta con la ayuda añadida del inmenso Álex González a quien le entrega la espalda adusta, sudorosa, valiente y humana de Julián. El actor se reivindica con una interpretación magnífica, encarnando a un chico malo que encuentra su salvación descubriendo el amor. El otro gran triunfador de la película es Javier Bardem, su personaje, arquetipo perfecto de un cabecilla de extrema derecha. Carlos Bardem no se puede quedar atrás con un muy buen trabajo.

Ésta es una película para todos aquellos que creen que las ideas y los sentimientos existen a prueba de violencia y desprecio.

“Alacrán enamorado” está preseleccionada para los premios Oscar 2013

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Crítica: Cruce de caminos

12 septiembre 2013 1 comentario

cruce de caminosDerek Cianfrance es un joven director de cine independiente de Estados Unidos, un hombre ligado al mundo del cine desde muy joven a través de sus guiones o detrás de las cámaras, pasó gran parte de su juventud estudiando con cineastas como Stan Brakhage y Phil Solomon. A los 23 años escribió, y dirigió su primer largometraje. Su segundo largometraje: “Blue Valentine” , protagonizada por Ryan Gosling y Michelle Williams le aportó enormes satisfacciones, estuvo presente en gran cantidad de festivales y concurrió en 2010 con Williams, nominada a mejor actriz a los famosos premios Oscar. En 2013 nos trae a las pantallas, una nueva aventura, la historia acelerada de un motorista intrépido. Crítica de la película “Cruce de caminos”.

Cianfrance en esta ocasión dirige una película larga, donde Luke (Ryan Gosling), es un motorista que se gana la vida en un circo. Un día vuelve a un pueblo donde había actuado el año anterior y tiene un encuentro con un amor pasado, Romina (Eva Mendes). Descubre que la chica quedó embarazada en su último encuentro y recientemente ha tenido un hijo. Jason, cautivado por el bebé, decide dejar su trabajo en el circo y dedicarse a su familia trabajando como mecánico. Surge una relación muy especial donde la manera de mirar la felicidad de cada uno se convierte en un elemento crucial. Pero Luke es un hombre con ambición y juega con la muerte y la ilusión, con el sueño y el amor.

La verdad es que desde la perspectiva de espectador que mira y busca emociones, esta película tiene formas ásperas que en muchos momentos adquieren señales cercanas. La imposible construcción de la cotidianeidad es para mí de una reiteración acertadísima, casi diría autocomplaciente.

Imagen de Cruce de caminosTal vez Derek Cianfrance profundiza lo justo en la personalidad del personaje principal en el que vuelca su mirada en la primera de las tres partes que componen “Cruce de caminos”, Luke es pura contradicción y es quien da sujeción para que el andamiaje se alimente. Más allá del análisis puntual de la construcción de las escenas que son extraordinarias y sus buenísimos planos-contraplanos , “Cruce de caminos“ es una película independiente, con tres protagonistas muy especiales. En el marco de lo que sería una película dramática sin más, esta película se desmarca por la singularidad. Tal vez también el guión se deja llevar algo por algunas situaciones típicas del género, pero todo ello se ve afortunadamente superado. Los tres actores principales crean un mundo en el que se mueven y en el que el espectador entra y se encuentra bien. Una historia que gana muchos enteros, repito, por el encanto que destilan los tres actores. Inmejorables.

Junto a Ryan Gosling y Eva Mendes, Bradley Cooper, Dane DeHaan, Emory Cohen, Ray Liotta, Rose Byrne, Ben Mendelsohn, Bruce Greenwood yMahershala Ali, que hacen una excelente interpretación de sus personajes

El guión de “Cruce de caminos” está realizado por Derek Cianfrance, Ben Coccio y Darius Marder . En 2011, cuando empezaba el verano, comenzó el rodaje en el estado de Nueva York. La música de Mike Patton, muy apropiada, y la fotografía de Sean Bobbitt, correcta.

Una película que explora los límites del desesperado impulso que lleva al hombre a ser lo que supone el mundo que debes ser.

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